Cumpleaños

Cumpleaños.Impresionista. Oscar Rubio Fajardo . 13 abril de 2011
La necesidad de recordar los momentos especiales stan presentes en el impresionismo y el deseo de detener el tiempo.

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 Ana Karina MGM

el amor

expresionismo Monserrat Mendoza Calatayud

Elegi esta  imagen por que muestra mi lado positivo, amable, tierno,comprensivo y el otro lado es negativo el cual muchos temen expresar y con esta imagen trato de dar a conocer un lado oscuro en mi persona con miedos, resentimientos, culpas, dudas, otro yo interno difícil de comprender.   

EXPRESIONISMO Victor Ordoñez Luna

 El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico.

POR LO TANTO EN ESTA FOTO SE REFLEJA EL SENTIMIENTO DE EMOCION Y A LA VEZ MUESTRA EL GRADO DE CONCENTRACION QUE HAY, POR REALIZAR ALGO BIEN Y QUE AGRADE A LLOS DEMAS. Y POR ULTIMO GENERA UN SENTIMIENTO DE GRANDEZA PORQUE NO TODOS DESTACAN EN LO MISMO.

fluxxus

FLUXUS

Yoko Ono (kanji: 小野 洋子, 小野 洋子」 (más común): オノ・ヨーコ Ono Yōko^?) nacida el 18 de febrero de 1933) es una artistajaponesa nacida en Tokio, Japón.

Segunda esposa de John Lennon, quien le dedicó parte de su trabajo. Ambos se casaron en Gibraltar el 20 de marzo de 1969. Heredera de John Lennon con una fortuna de 356 millones de dólares en 1980 y actualmente podría haberse duplicado en 745 millones de dólares gracias a la gestión de los derechos de autor.

Yoko Ono pertenece a la aristocracia japonesa y formó parte del movimiento vanguardista de la década de los 60, era integrante del grupoFluxus.

Adepta del arte conceptual, en el cual las ideas son el motor y la esencia de la obra de arte, pudiendo llegar a ser incluso más importantes que su forma física y el empleo de técnicas de realización. En el arte conceptual, el contenido, el mensaje, el estímulo al pensamiento y la crítica son ya por sí mismos el arte. En Valencia, se expone la obra EX-IT de la artista, en la galería al aire libre delL'Umbracle, dentro del entorno de la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.

Yoko llegó al punto de componer canciones que sólo existían en su mente, de organizar conciertos en que el público tenía que imaginar por sí mismo la música que oía. Editó un célebre libro de dibujos y piezas de arte, Grapefruit (Pomelo), varias películas conceptuales (como Fly) e innumerables discos marcados por el experimentalismo. Entre ellos se destacan las obras maestras Yoko Ono/Plastic Ono Band, Fly, Approximately Infinite Universe (años 1970) y Season of Glass (años 1980). En los años 1990, sacó dos discos que fueron muy bien recibidos por la crítica: Rising y Blueprint for a Sunrise. Hasta hoy, sus mayores éxitos han sido "Walking on Thin Ice" y, en menor nivel, "Never Say Goodbye".

Sus discos en colaboración con John Lennon incluyen Unfinished Music No.1: Two Virgins, Unfinished Music No.2: Life with the Lions,Wedding Album, Some Time in New York City, Double Fantasy y el póstumo Milk and Honey.

En los últimos años, un proyecto de remezclas de sus antiguos clásicos ha tenido muchísimo éxito, y muchas de sus más clásicas y hasta entonces desconocidas canciones accedieron a los primeros puestos de las paradas Dance/Club Play Songs de Billboard, como "Walking on Thin Ice", "Hell in Paradise", "Everyman, Everywoman" y "Open Your Box".

Gran parte de la obra de Yoko (artes plásticas y música) trata de temas como libertad de pensamiento, paz, lucha contra el racismo, la homofobia y el sexismo y la valoración de las pequeñas grandes sensaciones cotidianas. Una característica marcante de su arte (canto, escritura, música, películas, dibujos etc.) es la economía de recursos generadores de un máximo efecto. Los mismos motivos resurgen en su obra en diversos momentos, adaptados, reaprovechados y cargados de nueva significación.

Yoko Ono ejerció una gran influencia personal y profesional sobre John Lennon. La artista japonesa se hizo notar desde los primeros momentos de la relación. Llegó hasta tal punto la influencia y control sobre Lennon, que incluso estuvo presente en las últimas grabaciones de The Beatles, en los míticos estudios que EMI poseía en Abbey Road, sentada junto a John mientras él tocaba la guitarra y cantaba. Para muchos fans de The Beatles, Yoko Ono es la principal culpable de las irreconciliables diferencias surgidas entre Lennon y el resto del grupo, aunque las filmaciones durante las sesiones de grabación de Let It Be muestran un grupo de por sí cansado y al borde de la exasperación por parte de todos sus miembros.

Victor Ordoñez Luna

GABRIEL OROZCO

Arte conceptual

Esta obra se hace interesante, al valorar la conjunción del cuerpo humano con la pieza, ya que permite rescatar una imagen distinta donde el concepto permite interpretar una representación bíblica donde el cuerpo masculino sostiene una costilla de arcilla representando a Adán y la costilla el inicio de una mujer en este caso Eva.

Igualmente podría ser una representación del aparato reproductor, donde las manos que cubren la pieza forman parte de la pared de la matriz y en la segunda imagen los dedos representan el aparato reproductor femenino.

Situación que se transformaría si el objeto fuera visto de manera individual, donde pudiera quedar solamente referida como una fragmento de la columna vertebral.

Ana Karina M.G.M

Manuel Álvarez Baravo

 El artista vivió la plenitud de su juventud durante la década de 1920, cuando México acababa de salir de la Revolución. A comparacion de lo que pasaba en el mundo, en México ocurría algo interesante pues la Revolución nació de las masas pobres, no de la clase media, por lo que se experimentaba una nueva fórmula, en la cual el arte y la política se daban la mano.

Álvarez Bravo no escapó al influjo de su época, aunque no tomó parte activa en la revolución. Quizás no fue un activista, pues evitaba las reuniones políticas en casa de Tina Modotti y prefería hablar de fotografía que del nacimiento del comunismo. Pero el sentir de su época se gestaba y desarrollaba muy en su interior, en su alma de artista.

 

Álvarez Bravo tenía noción de lo inmortal de la imagen fotográfica, la pasión por los valores populares y, sobre todo, la búsqueda de la pureza indígena llenan de vitalidad la obra de este fotógrafo. La muchacha mirando pájaros, pareciera espiar el infinito buscando algo. Se tapa del sol para ver mejor. Tras ella un portón colonial, que recuerda el peso cultural de lo español. La niña ignora lo que tiene detrás, tapa el brillo del sol con su brazo y mira los pájaros.

Ana Karina M.G.M

Fluxus

http://www.youtube.com/watch?v=ZRsHM-lvCyI

Fluxus (palabra latina que significa flujo) es un movimiento artístico de las artes visuales pero también de la música y la literatura. Tuvo su momento más activo entre la década de los sesenta y los setenta del siglo XX. Se declaró contra el objeto artístico tradicional como mercancía y se proclamó a sí mismo como el antiarte. Fluxus fue informalmente organizado en 1962 por George Maciunas (1931-1978). Este movimiento artístico tuvo expresiones en Estados Unidos, Europa y Japón.

Fluxus-arte-diversión debe ser simple, entretenido y sin pretensiones, tratar temas triviales, sin necesidad de dominar técnicas especiales ni realizar innumerables ensayos y sin aspirar a tener ningún tipo de valor comercial o institucional

George Maciunas

Oscar Manuel Rubio Fajardo

Como Dadá, Fluxus escapa de toda tentativa de definición o de categorización. Según Filliou, es "antes que todo un estado del espíritu, un modo de vida impregnado de una soberbia libertad de pensar, de expresar y de elegir. De cierta manera Fluxus nunca existió, no sabemos cuándo nació, luego no hay razón para que termine". Asimismo Filliou opone el Fluxus al arte conceptual por su referencia directa, inmediata y urgente a la realidad cotidiana, e invierte la propuesta de Duchamp, quien a partir del Ready Made, introdujo lo cotidiano en el arte. Fluxus disuelve el arte en lo cotidiano. 

Oscar Manuel Rubio Fajardo

FLUXUS

Fluxus, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estímulo de John Cage, no mira a la idea de la vanguardia como renovación lingüística, sino que pretende hacer un uso distinto de los canales oficiales del arte que se separa de todo lenguaje específico; es decir, pretende la interdisciplinariedad y la adopción de medios y materiales procedentes de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino el medio para una noción renovada del arte, entendido como “arte total“.
Fluxus estaba dirigido a impactar en el público como una imitación de lo intrínsecamente vital. La complejidad de los conciertos Fluxus y la colaboración de artistas de la talla de Joseph Beuys, Wolf Vostell, Nam June Paik y Charlotte Moorman desembocaron en interpretaciones que transmitían una visión muy especial e inconformista de la vida.

Monserrat Mendoza Calatayud

Polémico como muy pocos, el fotógrafo norteamericano Spencer Tunick ha despertado con su trabajo las más variadas opiniones. Desde 1992 retrata a multitudes desnudas en distintos lugares del mundo, y ha llegado a reunir hasta 18.000 personas para una foto.

Claro que tanta transgresión ha sido objeto de conflictos, principalmente en Nueva York, su ciudad natal, donde fue detenido en varias oportunidades por atentado al pudor. Pero luchó legalmente para que se respetara su libertad de expresión, porque para él la desnudez de una “masa humana” se convierte en una abstracción, que desafía y reinterpreta su significado y el de la misma privacidad.

Oscar Manuel Rubio Fajardo

Sus más importantes trabajos fueron Naked States, cuando recorrió los 50 estados de su país; y Nude Andrift, para el cual visitó 9 naciones. Ambos han sido exhibidos alrededor de todo el mundo, y además buena parte de su obra está en importantes museos y galerías de arte.

Creativo, mediático y provocador… Mientras las opiniones se encuentran y se genera más debate, Tunick atrae más atención a sus originales fotografías.

Monserrat Mendóza Calatayud

Manuel Álvarez

Su talento para retratar sin dramatismo llevó a este fotógrafo a formar parte de una generación que revolucionó el arte en el mundo.

Manuel Álvarez Bravo ha sido una influencia por donde se le mire. Su rechazo al pintoresquismo fácil, su ironía insistentemente ambigua y su rescate de la gente común lo transformaron en uno de los fotógrafos más respetados del continente.
Así, Álvarez Bravo fue el primer fotógrafo mexicano en adoptar una postura militante de anti-pintoresquismo. Conciente tanto de la extraordinaria variedad de culturas de su país, se convirtió casi de manera natural en un fotografo de imágenes anti estereotipadas. Caminando siempre contra la corriente de los clichés establecidos, utilizó muy bien la ironía visual, para invitar al público a tomar una postura más exógena.

Monserrat Méndoza

Manuel Àlvarez

Las imàgenes de Manuel Àlvarez son resultado de recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado de ellas.
En lo personal me gustan las acotaciones de cada imàgen.

Oscar Manuel Rubio Fajardo

POEMA DADA

Para hacer un poema dadaísta

"Para hacer un poema dadaísta"
Tristán Tzara, Siete manifiestos Dadá

Coja un periódico.
Coja unas tijeras.
Escoja en el periódico un artículo de la longitud que
cuenta
darle a su poema.
Recorte el artículo.
Recorte en seguida con cuidado cada una de las
palabras
que forman el artículo y métalas en una bolsa.
Agítela suavemente.
Ahora saque cada recorte uno tras otro.
Copie concienzudamente
en el orden en que hayan salido de la bolsa.
El poema se parecerá a usted.
Y es usted un escritor infinitamente original y de una
sensibilidad hechizante, aunque incomprendida del vulgo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ana Karina Moreno Garcia Malo

EXPRESIONISMO

El Expresionismo, un movimiento dominante en el arte alemán desde 1905 hasta 1930 -aproximadamente- se aplica a un arte en el que el autor expresa con el mayor vigor posible su propia visión del mundo y abandona las ideas tradicionales del naturalismo para rendir culto a las distorsiones y exageraciones de forma y color que expresan de manera compulsiva las emociones del artista.

El expresionismo pretende conmover, para lo cual utiliza la figura y el trazo violento.

Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.

En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos

Victor OL

Fauvismo

El fauvismo es un movimiento contemporáneo al impresionismo (de 1910 a 1920). El color es el objetivo principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el tubo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores vivos en formas de manchas planas. El color se independiza del objeto.

Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que trabajaba en París a comienzos de siglo. Se les dio este nombre, que significa "animales salvajes", cuando expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era Henri Matisse, y los demás miembros, entre ellos Derain, Vlaminck, Dufy y Braque, procedían de varios grupos distintos.

Matisse había experimentado varios estilos, pero en 1905, influido por la luz clara y el color brillante del paisaje del sur de Francia, encontró ya el suyo propio. Hoy en día nos sorprende que esta pintura fauvista fuese considerada salvaje. El color era brillante, pero la composición estaba muy organizada. Matisse utilizaba el color intenso porque era lo que mayor impacto producía, aunque el color no fuese siempre "correcto".

Cuando pensaba que con un color diferente lograría mejores resultados, lo utilizaba. Para sugerir el espacio, para indicar la luz y a menudo como simple decoración, recurría más al color que al claroscuro. Esta plena utilización del color está muy bien ilustrada en el retrato Madame Matisse (en el recuadro) con una franja verde.

El retrato es muy intenso y presenta al mismo tiempo una gran calma, lo cual podría parecer una contradicción. La posición de la cabeza y de los hombros es en la pintura bastante convencional, pero no lo son el modelado ni la formación de los rasgos.

Victor OL

Impresionismo

El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa .El Impresionismo parten del análisis de la realidad


Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (azul, rojo y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.

Olimpia, para su desnudo no necesitó diosas ni musas como en el Renacimiento y en el Barroco, sino que representaba el desnudo de una prostituta, una mujer de la vida contemporánea. Para captar la realidad y la fugacidad utilizó la pincelada rápida y empastada, rasgo que identificará al Impresionismo. 


Victor OL

Cubismo

El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.

El descubrimiento del arte negro, la exposición de Cezanne en 1907 y la poesía de Apollinaire y  Max Jacob  se convirtieron en las principales influencias del nuevo  estilo.

Las formas que construyen los pintores del cubismo siguen unos esquemas  rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este sentido, son muy significativas dos frases representantes de este estilo,Picasso, “Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo”, y Braque, “Los sentidos deforman, el  espíritu forma”.

El artista de este momento escoge un tema pictórico con un objetivo determinado, buscando los cubistas  fragmentar un tema y ordenarlo en una composición.

Pablo Picasso , tras atravesar su “período azul” y su  “período rosa”, pinta “Las señoritas de Aviñón” (1906),  obra que marca el inicio de su etapa cubista.


Victor Ordoñez Luna

EDVARD MUNCH Nordico (MADONNA)

"Madonna" es un cuadro al óleo, de 90,5 centímetros por 70,5 centímetros que Munch pintó durante los años 1893-1894. Muestra a una madonna erótica con un halo rojo rodeada por un aura oscura. mujer desnuda y con los ojos semicerradosor. Alrededor de su cabeza, cubierta de negra cabellera larga y espesa, y siguiendo sus líneas, se abre un cielo rojo y negro.
un espectacular y sensual desnudo femenino rodeado de una atmósfera poco tranquilizadora. La figura emerge de un fondo tenebroso, de líneas distorsionadas.
                                                         

                                                                     Monserrat M.C

impresionismo aleman Édouard Manet (desayuno sobre la hierva)

El cuadro representa un almuerzo en un bosque,Los hombres parecen estar ocupados conversando, ignorando a la mujer. En frente de ellos, se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas, y un pan redondo, como en un bodegon.El fondo pintado toscamente carece de profundidad, dando al espectador la impresión de que la escena no tiene lugar en el exterior, sino en un estudio. Esta impresión se refuerza por el uso de una intensa luz, que casi no deja sombras: de hecho, la iluminación de la escena es inconsistente y nada natural. El hombre a la derecha luce un sombrero plano, de la clase que normalmente se usa en los interiores usó una luz cruda, fotografica que elimina los tonos medios. 
                                                     Monserrat M.C

Fauvismo Matisse (la alegria de vivir)

 

En La alegría de vivir  resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. 

 Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.

La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la profundidad de sí mismo.
                                                              Monserrat M.C

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. Se trata de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos defauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por pequeños cubos. Se originó así el concepto de "cubismo"

Otras obras como "Las señoritas de Avignon" de Picasso y "Harbor en Marmodia" son representantes de el cubismo.

El cubismo pretende crear una continua reflexión visual.

Se caracteriza por basarse en los ángulos, las lineas rectas, la naturaleza muerta, el uso de verdes y grises.

Puede decirse que a partir de el cubismo se invento la técnica del "collage".

Así mismo influyo en la literatura y como ejemplo más claro tenemos a los caligramas.             

"Mujer  con mandolina" es la obra que se encuentra al principio y es interesante ver como picasso comenzó a dejar detalles en sus obras para comprenderlas más rápido.

Es uno de los movimientos más importantes y que han marcado el camino de la innovación y el crecimiento moderno.
Puedo concluir con que "el cubismo solo se puede comprender si rompemos con lo anterior"


Oscar Manuel Rubio Fajardo

POST IMPRESIONISMO

Es un término artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue principiado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Van Gogh fue un representante directo del postimpresionismo en donde las sombras eran colores frío y los colores cálidos eran luz.

Un pasaje muy interesante de la vida de este artista es cuando se corta una oreja y se la obsequia a su amada que era una prostituta.

Terraza del café de la Placedu Forum en Arlés por la noche

Aprovecha la luz de farolas y la natural de las estrellas, se sabe que se sirvió de un sombrero con luces cuando pintaba de noche en mitad del campo. Pinta de forma abreviada. Corta la composición por dos colores primarios habituales en él: el azul y el amarillo.

De las pinturas más famosas de Van Gogh se encuentran las que muestran la gran fiesta que se vive en el Moulin Rouge y la vida tan vacía de las mujeres que viven de noche.

Me gustan mucho sus obras por la crudeza con la cual imprime en sus obras esa realidad, esa alegría, esas sonrías que disfrazan una triste vida llena de vacío y locura.

Oscar Manuel Rubio Fajardo

EXPRESIONISMO

El expresionismo es un movimiento artístico alemán que surgió hacia 1905 caracterizado por estructuras abstractas que en su mayoría reflejaban: Luchas agónicas, enfermedad, muerte.
Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. 
Se entiende su concepto como una acentuación o deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo.
Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era reflejar el mundo de manera realista y fiel (justo al contrario que los impresionistas) sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa emotividad que subyacen a todas sus obras.
La alteración de las formas de las figuras, el recurso a colores intensos, en los que el negro ocupa un destacado papel y, siempre, la idea de que la pintura ha de servir para dar una vía de expresión a la emociones, sobre todo a las más desgarradoras, forman parte del estilo expresionista.

 El expresionismo fue la vía más adecuada para manifestar la angustia ante un mundo que se deshacía en los campos de batalla y en las desgracias de la postguerra europea.
Munch es uno de los autores más destacados y "El grito", su obra más conocida la describe el autor como expresión de soledad, angustia y miedo al sentir la fría, vasta e infinita naturaleza, con colores irreales, violentos, que enlazan el paisaje y sitúan en el centro la persona en situación desesperada.
La mayoría de estás obras son impactantes y en ocasiones me han provocado temor. Pero sin duda alguna su estilo es único y refleja de forma coherente. Expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.


Oscar Manuel Rubio Fajardo.

IMPRESIONISMO

La pintura impresionista tuvo su auge a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, principalmente en Francia.

Es un movimiento plástico caracterizado por el intento de plasmar la luz, el instante y la forma en la que la realidad era subjetiva.

Los colores que predominan son los primarios (cyan, magenta y amarillo). Las pinceladas de color eran largas y yuxtapuestas lo cual desde una determinada distancia permitían al observador apreciar verdaderamente una imagen llena de color y de luz.

Representa claramente el concepto de libertad más que de la belleza.

Eliminaron el negro de su pinturas ya que observaban que las sombras no eran negras sino coloreteadas. Al igual  denotaron la no existencia del blanco puro pues miraban que la luz cargaba de colores innumerables.

Su perspectiva es plana y bidimensional no desde un punto de perspectiva ya que sus obras fueron plasmadas tal y como las percibía el ojo.

Su principal tema era la naturaleza y al mismo tiempo la sociedad logro adaptar esta percepción de la naturaleza cambiando la temática del campo que paso de un lugar de trabajo a un lugar de ocio. 

Sus autores principales fueron Monet y Renoir.

La pintura de arriba es una de las más representativas del impresionismo de Monet.
Es una de mis favoritas del impresionismo pues refleja la simplesa y la forma de reproducir un momento tan común como lo fue un delicioso paseo por un campo.
A su vez me encanta la manera tan directa de comunicar libertad, ligereza,frescura, además de la increíble manera en la que te contagia tranquilidad y deseo por tener un paseo similar.

Oscar Manuel Rubio Fajardo

FAUVISMO-Georges rouault

Georges rouault

Payaso y mono

Material: Monotype, printed in color.
Medidas: 57.5 x 38.7 cm.
Museo: MOMA. Nueva York

Artista francés, cuyos retratos melancólicos de reyes afligidos, de Cristo y de payasos le convirtieron en uno de los primeros exponentes del fauvismo y del expresionismo. A menudo se le ha considerado como el pintor religioso moderno más importante


• El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.

• Este planteamiento, conocido como modelo RYB, clasifica los colores en:
  • Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
  • Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo + amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
  • Complementarios: se entiende por color complementario de otro, el color que se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

• En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad, a pesar de parecer como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.

• Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.

• El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas.

• Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

• Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.

ANA KARINA MORENO GARCIA MALO

postimpresionismo vicent van gogh (el dormitorio del artista en arles)

Observamos la clara influencia de los grabados japoneses en la sencillez del dibujo, los espacios planos de color, las pronunciadas perspectivas y la ausencia de sombras. La pintura está aplicada en capas espesas, las pinceladas negras envuelven a los objetos y delimitan los espacios, dando la sensación de que están llenos de color. El amarillo predomina en el cuadro, es el color de la luz del sol, la calidez y la felicidad.

                                                                     Monserrat M.c

POSIMPRECIONISMO-Paul Cézanne

Paul Cézanne

Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre del arte moderno.
El intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. manifestó un interés en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. el decia «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos», con esto nos deja ver  su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica.

El postimpresionismo es un término histórico artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX. Varios artistas partiendo del impresionismo derivan hacia una pintura personal, teniendo como principales características la recuperación de la importancia del dibujo y la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas.

El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia.

Movimientos como el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo recibieron la influencia de los artistas Postimpresionistas.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).

INFLUENCIAS- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens, de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía, el primitivismo en Gauguin.

ANA KARINA MORENO GARCIA MALO

impresionismo claude monet (el paseo)

en esta obra de Monet la figura humana tiene mayor relevancia que el paisaje. Los protagonistas vuelven a ser Camille, su compañera, y Jean, su hijo, igual que vemos en almuerzo. Aquí están vistos desde una perspectiva baja, situados sobre una loma donde el viento es mayor. La luz provoca una sombra malva que domina toda la figura mientras que la sombra que ella proyecta es más oscura. Las zonas iluminadas por el sol tienen, obviamente, un color más vivo. Jean queda más difuminado en el fondo, apreciándose apenas el color.

Monserrat M.C

IMPRESIONISMO-monet

Claude Monet

Ninfeas, harmonía en verde

1899

89 × 93 cm, óleo sobre lienzo

Museo de Orsay en París

Monet fue sin duda el más representativo y prolífico de los impresionistas franceses, pero fue a mi parecer también el más independiente e innovador.
El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto historico-social:

• Impacto del ferrocarril: Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".
• Impacto de la fotografía: La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.
• Impacto del óleo en tubo: se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.
• Impacto de la Naturaleza y de la Luz: el estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, gracias a cuya proyección es posible el color.
• Impacto del Tiempo: es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil.

Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:

• El paisaje como tema principal:
       Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.
• Técnica:
       Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada, ya no existe una utilisacion de la linea o un contorno.  
• Color:
       Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.
• Ausencia de perspectiva:
       Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva euclidiana que había regido el concepto de la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el "primitivo" punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina. Esto ya lo anticipó Monet con su Pífano

ANA KARINA MORENO GARCIA MALO